空间的海,或者,容器
兵库县立美术馆学艺员 出原 均
我看了广岛市立大学艺术学部鰕泽老师上任9年以来发表的五项作品。《作为方法的咖啡制造器》《疯狂的海》《魂的容器》,还有《白布》一和二。在这几项作品的基础上再加每年展开的大学教员展里提出的作品,似乎是所有的发表作品。据说教员展上提出的是试验性作品,比如作品《白布》是正在准备中的巨大作品中之一。因此,完成的作品不是很多。但是,都不是平凡之作。相反,每个作品都是各种各样要素组成的巨大的构筑物。制作工作中也需要投入很多时间和劳力。这可以说是比喻绘画和雕刻的单体物和建筑全体的中间物。或者,可以说成为一项综合艺术。旧日本银行广岛支店的建筑永久性借给与广岛市,在这次公开展览会中占中心的是他的《魂的容器》。这也是由几个构筑物来组成的。设置场所也是伸展在大厅,入口或是小房间等等。。。这的中心是设置在大厅里的亭子一样的修建物。可以说为建筑物内另有一个建筑物。那个表面由于燃烧器什么而被烧,白色面板上有分段化的无数的孔,液体铺设在地板上,就像是一个废弃的房子。这么写,也许认为是简朴的物体。可绝对没有安定在这种闲寂的印象中。那无数的孔也好,从屋顶上,下来的无数触手状的物体也好,甚至是素材的多样性,从这个构造物开始包含了周围小品的扩展,联想起增殖这句话。有着复合性印象。欢着在这个空间,就像走在庭园一样边走边观赏与确认每一个细节部分。另一方面想把握全体,取长补短互相弥,最终会达到构筑综合性(形象)的。
鰕泽先生的作品,基本上是装置艺术的行列。解释为「设营艺术」,「空间艺术」的领域,事物摆设在空间后把全体做成为作品化。装置这单词,原本有着就事而论的含义。这个词普及的美国,特别是根据在60年代的物体本身的美学(为了表示这个被使用的是「如文字那样」意思里的称为「文字」的词)。根观众在一个时空,也就是说,被重视在「现在、这里」。鰕泽先生的作品是,在同时代的作品上也经常能看到的。不过跟这些古典式装置的概念是不一致的。因为,他的作品确实是以具体物为存在着,但是,常常说到这个东西是什么的话媒体也有。「现在,这里」完全不投锚是他的艺术特征。这可能要归于他作为画家较强的素质。这么说的原因是,画家本来就会一个大或小的程度上打破眼前的平面空间,那是为了想象另外一个新的空间。极端的说,因为他是一位幻视的艺术家。放弃这样的幻想(被翻译为「幻影」2次元世界里创造出3次元世界)。在物的「真实感」立足的同时,像绘画一样,打算在那里做出另外一个世界与新的形象。一般来说画家是用眼睛去把握物和空间双方。所以,非常适合作为“属于空间艺术的装置艺术设计”的制作者。另一方面,不会满足于原有的东西和形象,去从新构筑新的形态也是画家的特性。从这个意义上,应该可以说在他的装置中强烈地运行着作为双重画家的资质。也是为了理解这一点,预先看看鰕泽先生的作品展开吧。他在广岛赴任前发表的《作为方法的咖啡制造器》系列,题目那样按描绘咖啡器具的量来制作厚厚的平面,把他们用各种各样的形式组合与配置。把称为咖啡器具的实际物体在平面上记号化(随着硬质的表面强调了平面性),并且把那个平面展开在3次元空间里。从立体到平面,平面到立体的流程。大约这时候,80年代后半以后把绘画或是雕刻等传统的作品展开在空间型的装置非常活跃的进行着,不过可以说是鰕泽先生把它做的很彻底。平面和立体,摸索着各自形式的同时,应该也试图着寻找过那个关系的可能性。
咖啡器具的图像是进入平面框架的同时也跟空间互相呼应。他在广岛赴任后发表了,「历史性建筑物与艺术的共振」展的题目1回展(广岛大学学校教育学部旧图书馆)同样题目的作品,但是,很明显的能看到变化。那是把像扇风一样的之字形表面上下交错的形态重叠3层的构造。日本的屏风拥有着在西洋的意义上是说不上完全平面的空间和厚度。不过好象是在强调这些。正因为如此,反论的话这就是平面的问题。但是,咖啡器具的图像几乎消失,因此,描写只是靠近涂漆。此外,作为与咖啡器具一起被描绘的影子小点,变成孔,把现实的光引入到作品里。因此,绘画的幻影后退后,应该说是把作为更加现实空间的平面问题化了。最终,这项作品是在第2回展(旧宇物品陆军粮草支厂的仓库)中完成。把比较简单的一张面板作为基本单位的L形面板,整体是由3种结构物组成。也就是说,是第一回展展出的作品之外加上完全围起空间的立体作品和把广阔的地面缓缓地分节的面板。它们分别改变着取空间的方法同时,由同样单位组成,所以拥有归结。整体上是在构筑一款拥有一个构造和一个有体系性的的空间。像城市的模型。
在宫岛附近的一个物流仓库会场上第3回发表的《狂气的海》也同样是由几个构筑物开始形成的。但这次的形态是全部不同。一个个保持着独立性的同时,在缓慢的配置下占领着空间。
特别是被称为《结界》的侧边长构筑物为分界,分为明亮的领域与黑暗的领域。再从那打开的孔进入跟前的光,看上去像是从水面射入的光线。为提名,这是水中世界。由各个形态的不同,比前回加形象性变强,觉得离「现在,这里」越来越远了。这项作品是由《作为方法的咖啡制造器》开始的。把无数的孔的表现,提高着实验性的探求。那一点吸引了我的兴趣。把孔里串通带子和玻璃,或是孔被打开的面在层状重叠。根据这个扩大造型语言是没错的。由于带子穿孔使形态多样化与印象变得丰富了。但它们把透射的物质(如光或是空气)表现为物体化与表面化了。所以,包含之后的《魂的容器》的烧烤,能够确定这是从绘画性开始到物质性的东西增强的过程。
这样看来鰕泽先生的作品是作为物体的性格变强为平行,到现在为止被封印在画面中的印象,实现在整个作品中。作为物质的本质,应该称为巴洛克的丰壌的印象互相缠绕。我想为了实现称为形象还是理想什么的东西,应该是存在着细节的过剩。广岛以前描绘的事过剩是在平面中取得形象的形式面,近年来,如果摆放在这种平衡不相同的文脉中会一样吗?物质和物体的富有想象力的转换是足够的,在于它们的协同作用下全体被另外一个世界而变形。(当然,这样的细节对于作家来说是作为手作业确实有愉悦)并且,保持这个过剩与平衡是作品本身的构筑性。例外是《白布》。虽然把作品沿着场所为基本,但是有些软弱的感觉。对他来说不可缺少,承接过剩的细节的全体构筑性。不,应该说是在他心中首先是有着想把巨大的理想为具体化的意思吧?这样,我认为是,称为物质-形象-细节的系,形成为一个圆环,贯彻在他的作品中。由于捕捉该系,应该是可以充分地体味他的艺术丰壌吧?
对于他这样的艺术,已经尝到了从细部到全体的几个层次。本来是绘画等单体物也有这样的层,但在装置中变得更显著。合并的那些像(形象),我们一起去确认最终把要我们带到什么地点吧。那里有他艺术的真正价值。
我在这里不过是出示了一个领会方法。与此同时,在整体框架上,认为只是把握这个才是理解他的艺术的关键。要论述的事,仍有许多。关于他的意大利留学,那个地方与日本的落差给他带来什么样的艺术挑战?关于素材的选择,使用胶合板这样廉价材料的意义?它是怎样被转换。作为教育工作者。但是,纸的宽度已经尽了。想转移到另一个机会。
去年12月份拜访了,在广岛县北部的他的住所内的工作室。正如在开头接触到一样,工作室里看到了正在制作中的纵4米,横宽与幅度5米的巨大的装置作品。据说把这个装置并列16个才是最后的完成。为了制作这项作品应该需要大量的构想和时间,还有劳力吧。要找到展示场应该也很不容易。但是,总有一天她肯定会实线。踏踏实实的等那一天吧。我终于看到了还存在着跟他一样,在一个作品上投大量的时间去制作的态度。跟作品的大小一样,他的时间也应该是比较充裕的。当然,制作中肯定费力很大。不过,也包含这些,令人羡慕的是他作为作家的一种幸福的生活方式。